百年百老汇,,流行音乐剧
时间：2020-03-20 07:55:05 来源：达达文档网 本文已影响 人 
摘 要：百老汇音乐剧是集歌、舞、戏剧一身的娱乐性、商业性的音乐文化。美国的音乐剧自从叮砰巷时期起，就是影响世界的风向标。该文章从表演者的角度，介绍了美国音乐剧的起源与发展，以及音乐剧的表演特征和发声技巧。
关键词：百老汇、音乐剧、表演
中图分类号：J809 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2016）23-0097-02
世界有两大主流音乐剧阵营：纽约百老汇和伦敦西区，而百老汇音乐剧对世界、尤其是现今全球的音乐剧市场有更大的影响。
一、音乐剧与百老汇
音乐剧Musical Theater，用著名音乐剧作词人奥斯卡。小哈姆斯坦二世（Oscar Hammerstein II）的话总结”It can be anything i wants to be.There is only one thing a musical absolutely must be have -- music.”（它是你所能想到的任何元素，其中只有音乐这个因素是绝对包括在内的）。而现代的概念：音乐剧是以戏剧为基本，以音乐为灵魂，以舞蹈为重要表现手段，这三大元素互动、互补和不可或缺性的整合，讲述故事、刻画人物、传达概念的市场性和商业性的娱乐产品①。
作为音乐剧的代名词，百老汇Broadway有着双重含义：首先，它是纽约曼哈顿岛上的一条著名街区，从41街到51街之间的一个剧院集中区。自从19世纪初第一家娱乐场剧院在这里开张，便标志着音乐剧有了自己固定的演出场所②，至今为止，这里已坐落了超过40家世界级的剧院。其次，能在这个音乐剧最高殿堂上演剧目，对任何一位艺术家来说便是获得极大的成功，许多知名的音乐剧不仅从这里起步，并且走向世界巡演之路。
1927年，音乐剧《Show boat》（演艺船）的上演，是百老汇历史上一个重大的时刻，它为音乐剧带来了重大的冲击和改变。在这之前，音乐剧一般没有整体的剧情联系，每个部分都可以拆分为单独的片段，以讽刺和滑稽的表演，模仿流行的事物为主，这种表演形式被称为：时事秀（Revue），如《Follies》（富丽秀）等。在这之后，音乐剧更加富有戏剧的个性，人们逐渐被这种有完整故事情节音乐剧所吸引，叙事音乐剧（Book music）和音乐喜剧（Music comedy）成为主流，并延续至今。如：《Oklahoma》（奥克拉荷马）、《My Fair Lady》（窈窕淑女）等。
二、音乐剧的表演特征
音乐剧的表演是一门综合性的艺术表演形式。首先，全世界的音乐剧都是以故事为基础，剧本是音乐剧最关键的要素，戏剧表演是其中的精髓。其次，构成剧情的音乐，既要有歌剧的结构，又要有流行音乐的特质，演唱既要有古典派的声音控制能力，又要保持流行声乐的发声技巧。最后，用肢体的语言补充和完善故事，舞蹈以古典为基础，以贴近生活的方式表现。
（一）表演精髓—内心世界
戏剧的成分永远是第一。美国音乐剧的表演强调身体自然的反应。
”Intro to Meisner”是音乐剧表演的基础课程。Meisner是一位美国演员及表演导师，他强调用“正在做的真实的事情”代替情感记忆的表演方式③。通过这种表演体系的训练，让表演者通过观察对方的行为，让身体与情绪做出直接反应。这个训练的要点是：（1）倾听；（2）解读行为；（3）专注对方。身体的语言本来就是没有对和错之分，这种本能反应，要求演员的行为不能通过太多的思考。通常的训练方式是两人一组，互相不断的重复一句话，逐渐放松身体和释放情绪。
舞台上真正的表演也是没有固定的模式可循，表演本身就是在安全的空间里做着不安全的事。课程”Improvidstion”（即兴表演），就是建立在自然反应的基础上，对上一秒发生的事情做出立即、连锁的反映。即兴表演不要求是否理解主题，无论理对错，都有不同的表现方式：（1）当了解正确的主题，就会做出符合逻辑的连续性表演；（2）如果不明白主题，也可以做出无前提推论而另辟新境的表演。演员的每一次舞台表演都是不可以复制的，会受到当下情绪、环境和对手等不确定因素的影响。即兴表演就是在训练情绪在未知事情上的平稳反应。
美国音乐剧的教学一直强调，要求表演者在演唱之前做一个Song Interpretation（歌词诠释）的工作，精髓是：五个W/ Who What Where When Why.
Who：：有两个含义，（1）在演唱谁的角色；（2）想对谁演唱（演唱对象）
What：在做什么，在表演什么，这段和观众对话的演唱中，在想什么
Where：在什么地方与人交流，脑海中必须有一个曾经去过的具体地方。
When：也有两层含义，（1）一天中具体的时间，如：早上9点；（2）剧本对时间的设定。
Why：要做这个表演的原因，此时此刻非做不可的理由。
只有设定好这些基本元素，演员才可以让自己的表演存在于一个真实的空间，说服自己，感染观众。
最后，再通过Voice&Speech（声音和演说）的训练，加上以上表演课的练习，再设定这些基本元素，最后在Performance（舞台表演）导师（通常是富有经验的百老汇演员）的引导下，一首歌曲的表演辅导才算真正的完成。
（二）肢体渲染—舞动魅力
音乐剧的表演者需要学习三个种类的舞蹈：（1）Ballet芭蕾；（2）Jazz爵士；（3）Tap踢踏。
Ballet芭蕾舞是一种需要长期练功为基础的舞蹈，以优美及拉伸为著称。日常课程的训练以肢体的拉升、平衡、协调为主要训练目的，每周2个小时的课程主要围绕把杆动作设计。通通常百老汇的剧组面试歌者时，会要求应试者至少能向左或向右做一个“Single turn”的回旋单转来考察舞蹈能力。如《The Phantom Of the Opera（歌剧魅影）》、《West side story（西区故事）》剧中的主角，都有不少的芭蕾元素的舞蹈表演。芭蕾舞在音乐剧中也有很长的历史，尤其是在音乐剧“Oklahoma”（俄克拉荷马）中的一段Dream ballet（梦中芭蕾），开启了芭蕾舞在音乐剧中的新历程。
Jazz爵士舞，是由非洲流传到美国的一种舞蹈种类，以妩媚和性感闻名。在爵士舞的训练当中，表演者要掌握多种融合芭蕾技巧的舞台跑、跳技巧和方式，在群舞的时候协调自己的位置。每周的爵士舞课程当中，还会有经典音乐剧舞蹈片段的编排，严格的遵守百老汇排练进度，在新舞蹈教学的十分钟之后开始录象。使表演者尽快的适应到百老汇的运作系统，在面临真正的试镜和彩排，也能从容面对。现在，爵士舞越来越多的出现在现代音乐剧当中，在四大音乐剧之一的“West Side Story”西区故事中，舞蹈编导Jerome Robbins，在爵士舞的基础上，融合拉丁舞、芭蕾舞等等，让肢体语言承载了戏剧的意义，即使脱离歌曲也可以独立存在解释剧情。他的杰出舞蹈编排，成功的提高了舞蹈在音乐剧中的作用。
Tap dance踢踏舞，是由爱尔兰移民带到美国后发展成型的。舞蹈奔放、自由，用脚趾和脚尖的拍打出复杂的打击节奏？。音乐剧《An American in Paris（一个美国人在巴黎）》一剧中，男主角更是将美式踢踏舞发挥到了极致。
三、音乐剧的发声技巧
在声音上塑造人物，是音乐剧唱法最大的特点。百老汇音乐剧，有着一套不同于古典歌剧的发声体系。声音建立在自然、接近说话的音色上；技巧用来连贯声区以及扩大音量；声道是建立在每人现有的条件上，而不是利用肌肉群的力量“组装”出来。
（一）演唱张力——诉说与宣泄
美国的声乐导师并不提倡按唱法分类的教学方式，Ta们通常都是能演唱多种唱法的全能歌者。声乐的训练，要求胸声区、混音区和头声区平稳过渡，把演唱者嗓音能力的全面化，以便去适应不同风格歌曲的需要。每一个声乐导师都会要求演唱时的身体和面部肌肉的放松（如提笑肌等利用面部肌肉搭建歌唱空间，是绝对禁止的）。
在声乐课通常会先练到几十条简短、灵巧的练声曲，多种元音MI、MA、WU、WE、YA、YO、YI、XIA、NIANG的搭配，练习曲的音域一般从a-e3，跨度两个多八度。对超自然音High C以上的音域，也可以通过训练达到的。在练习这个音区的发声时，原理是共鸣腔体的转移，重点在于放掉喉部的力量，让气息通过对鼻腔的冲击，让声音像“擤鼻涕”一样的迸发出来。
在音乐剧的声音训练中，为了适应不同音乐风格的演唱和角色的塑造，音色被分成了纵向的5等分：
1号、2号发声位置最为靠前，声音通过鼻腔共鸣被放大，但不是简单的鼻音。听起来是一种Nasty不那么令人舒服的音色，如：音乐剧《Wicked（女巫前传）》Glinda角色，通过音色集中为声音造型，使之适合剧中的角色。
3号发音位置是居中的，通常使用这个位置的音色，口腔要打的开，气息向下拉升，声音从口腔中“横向”发出来的。纽约的长岛当地人说话的口音，就是在这个位置上。通常用于扮演乡下或者有口音的角色。
4、5号发音位置广泛的运用于各种音乐剧演唱之中。发音要点在于共鸣挂在颧骨之后，气息略微靠后，形成结实有力的音色。这也是音乐剧中，特殊的演唱技巧“Belting（面罩唱法）”。音乐剧的音色要求表演者的说话与演唱是一个整体，不能有音色差，这种唱法能产生高强度、大并强而有力的音色。使用唱歌中最低音区的胸声区共鸣，运用说话、喊叫时的肌肉群，用结实的“真声”去演唱高音区本应该属于混音区或者头声区的音色。同时，它也是一个宣泄情感的歌唱技巧，表达音乐中极致的喜怒哀乐。在音乐剧中，经常看到表演者的演唱时视线稍稍向上，这是因为演唱时头颈要保持向上看的角度用来固定喉头的位置，声乐导师称之为：Looking up to the gods（看向上帝）。“面罩唱法”，不注重喉头高、低的位置，但要在放松喉头的情况下进行，才会避免声带的损伤。
（二）综合能力——演员的修养
除了发音技术，表演者还会受训于Show Case合唱排练。一个好的歌者不仅是能单独演唱的明星，也要是合唱的能手。百老汇音乐剧经常会有重唱、四人对唱或是齐唱的形式。在合唱训练中，每周一首新曲子，几位新搭档，不仅当场分配声部演唱，还要注意轻重、缓和、快慢的处理，几位表演者需要互相协调完成。合唱不仅是训练演员的声音，更是培养表演者的集体合作性。
作者在2015年赴在纽约电影学院进修音乐剧表演时，每周都有13门不同的课程，除了要求表演者不仅会歌舞表演，还要有一定的文化、音乐基础。百老汇音乐剧有着100多年的历史，唱、演、编排都是以五线谱为基础。History of Musical Theater（音乐剧历史）和Music Theory（音乐原理），也是每个音乐剧演员的必修课程。
在美国，政府会定期在公园或公众场合，举办周末及季节音乐节，让群众免费欣赏片段性的音乐剧演出，培养潜在观众掏钱去剧院观看完整版的音乐剧，这种对音乐剧市场的培养，是值得我们学习的。音乐剧是具有娱乐性与商业性的，但国内许多打着音乐剧旗号的歌舞晚会或是现代歌剧，既流失了中国音乐剧的潜在观众，又损害了中国音乐剧的市场。
通过对百老汇音乐剧的分析，作者从表演者的角度出发，从表演、声乐、舞蹈这三方面，解析美国音乐剧演员的培训系统。通过以上研究，阐述音乐剧表演者需要提高能力的方面，以及对表演者提出技能全面化的需求。对音乐剧在发展较晚的中国，对表演者有实际的参考价值。
注释：
①黄定宇.音乐剧概论[M].北京：中国戏剧出版社，2003：05.
②慕羽.西方音乐剧史[M].上海：上海音乐出版社，2006：72.
③Sanford Meisner [EB/OL] https：//en.wikipedia.org/wiki/Sanford_Meisner，2016-05-15.
④Tap dance[EB/OL].http：//baike.baidu.com/link？url=jIb500zc_HaOC3M
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8dsKsW_K7jABdBZcb0q，2016-03-31.
