这个夏天，我们爱不爱影像？
时间：2020-09-05 07:50:59 来源：达达文档网 本文已影响 人 
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这个展览将所谓艺术权威和对观众的引导减小到最低，让看过展览的每一个人都在心中有各自的评判，抛掉固有包袱，发自内心的去说“爱”与“不爱”。
安迪·沃霍尔长达485分钟的《帝国大厦》冲击了大众对传统影像的印象，直至今日，仍有大批人面对片中唯一一个静止的长镜头——纽约帝国大厦，在耐心极限消耗到所剩无几后而悻悻离开，但当你问道，“爱不爱这作品？”总是有不少人疾呼，“当然爱，这可是安迪·沃霍尔！”面对当代艺术作品，似乎大众的“爱与不爱”往往已经做不到纯粹的从自身喜好出发。
北京佩斯的展览“这个夏天我们爱影像”直接干脆的喊出了这个口号。展览前言写道：“题目并没有给出任何描述性或判断性的信息，相反则是一次轻松、俏皮的毫不回避情绪化和号召力的单纯调动。”就是如此简明直接的告诉你，“我们爱影像！”当代艺术高深莫测，影像艺术更是前卫先锋，作为芸芸大众普通一员的你，是否有足够的勇气提出疑问：它究竟有何种魅力值得我们去“爱”？
佩斯团队有自信能用15名参展艺术家的作品来回应这个问题。此次展览拥有新锐艺术家初出茅庐的天马行空，也有资深影像“大咖”的加盟，他们来自不同的国家、地域、文化与历史环境，有着迥异的创作背景、理念与脉络。佩斯画廊将整个2000平米的空间罩成一个黑匣子，在这个酷暑季节对观众来说无疑是个消暑好去处，倘若你仅把此展览的作用局限于此种消遣行为，又显得辜负了佩斯团队的一番苦心。
隐喻与象征
影像艺术的产生为艺术增添了更多可能，艺术家能用现代影像设备创造出超越观感的灵魂图景。艺术品不受空间的限制，也不依赖周遭环境的映衬，而是以其独有的特性呈现出多样性的形象创造。
比尔·维奥拉（Bill Viola）本次展出的录像作品《显灵》（Visitation）随处可见隐喻与象征的手法，这位被称为“影像艺术诗人”的艺术家，其作品依旧带有强烈的个人风格及宗教色彩。屏幕中两位面容憔悴的老妇人缓慢穿过象征着生死分界的水帘，触及水帘，画面由灰白雪花般的模糊效果逐渐呈现明朗清晰。妇人的表情从错愕、疑惑、领悟到最后眼含热泪，令人动容。她们微微仰头，水帘由头上持续冲洗，迸出四射的水花，如同西方宗教里的洗礼一般肃穆庄严——或许唯有对上帝的全然信奉，才能让灵魂得到救赎。片子采用的慢速播放效果，几乎完美的呈现出了所有细节的微妙变化。
长期处在特拉维夫和纽约两地生活的以色列艺术家米歇·鲁芙娜（Michal Rovner），其毕生坚持探讨身份认同、种族隔离等兼具政治性和切身性的主题，在作品《更多》（More）中，一群身着黑色大衣的人群簇拥成圈，似乎是受到何种刺激或是某种不可违抗的力量，大批人群从圈内四处分散开来。画面呈现黑白，艺术家将地缘政治的概念象征为行走人类的影像表达，以抽象的人类形体隐喻生死、对抗、流徙等文化和社会性的叙事。
中国艺术家邱黯雄此次带来的作品《蛋糕》，除了其最擅长的水墨动画外，还加入了泥塑与装置元素。就笔者而言，这作品着实令人眼前一亮：紧促的节奏和快速的变化，不会让观众产生烦闷之感，捏塑不同面貌的泥塑头像，在沉默的哑剧般无声状态下，快速的张开大口吞噬着另一个头像，而变幻成新面目的泥塑人还未缓过劲来，又被蛋糕上新长出的头像即刻吞噬。邱黯雄谙熟隐喻之道，其巧妙的穿插了水墨动画的两人角力和象征意味极强的拳头形象，切入了主题“蛋糕”。这种貌似弱肉强食的争夺赛，不禁令在快节奏城市生活的观众感同身受：为了“蛋糕”，大家都是蛮拼的！
影像的多元化
影像本身的特质使其带有叙事性特点，并不是每件作品都需要费尽脑汁去解读。由佩斯画廊创始人、法国骑士勋章获得者阿尼·格里姆彻（Arne Glimcher）担任制片、西蒙·特雷弗（Simon Trevor）担任导演的纪录片《白金》（White Gold），直面了保护野生大象、抵制象牙制品的生态问题。该片关注环境保育，得到了前美国国务卿希拉里·克林顿和著名影星成龙的支持，分别作为英文版和中文版的配音讲述。赵半狄的彩色故事片《让熊猫飞》延续了其艺术中的熊猫概念，对孩子们通过熊猫主题的创作而完成筹备创建的“熊猫孤老院”活动。片子挑战艺术与世界的关系，充满了荒诞感及美好的温情。
当代艺术总是能用各种方式让大众们惊讶得目瞪口呆，艺术家用影像记录下自己某个时刻的行为艺术过程。崔广宇的影片《城市按摩：美丽的脏泡沫》，艺术家背着类似儿童吹泡泡的设备，他会在马路上寻找等待红灯的公共汽车，或是乘客到站换乘的空隙，将设备的插入车的排气管内，公车的尾气被抽取幻化成暂时存在的美丽泡泡。整个过程被事无巨细的拍摄下来，包括来往路人露出的疑惑表情。不难看出，艺术家试图通过这种方式呼唤对城市环境等生态议题的关注。同样将行为艺术记录下来的还有艺术家白全双作品的《呼吸一间屋的空气》，艺术家用透明塑料袋收集自己的呼吸，由一开始的卧室、厨房、到最后的厅廊……艺术家在10天内将自己呼吸的塑料袋塞满整个空间。
日本创作团队teamLab创作的《飞鸟》，以集体的方式生产出不断循环的影像，带有水墨画般的色彩，肆意潇洒的笔触和唯美飞扬的线条，这种纯粹的变幻效果带来了不一样的审美方式。有着6名软件设计师和300人团队的支撑，这组久负盛名的日本团队组合在完美融合了技术与艺术的全新综合方式，极具视觉表现力。挪威艺术家皮亚·墨沃尔德（Pia MYrvoLD）将艺术、时尚、摄像、表演及互动科技融合，将“界面”的概念引入作品，这正是我们这个数字产品格式塔效应的美学呈现，也是我们现今文化的主流。
不管你爱不爱，反正我是爱了
展览的作品或者垂挂于黑暗中墙上，或者简单的放置于地上，而这种无隔断的开放空间使得作品之间产生一种彼此正在积极交谈、议论的氛围。佩斯北京负责人冷林说，这样的安排是为了让观众仿佛观看绘画、装置一样去观看影像作品。高清影像、录像装置、纪录片、动画、新媒体……在这场看似无主题的群展，你能发现那些围绕着地域身份的反思，生死与信仰的思考，自我对“认知”本身的怀疑及社会与环境的多重牵连影响等，正是这些讨论构成了一个鲜活的现场。在这里，观众能在不同的思考领域产生对艺术的各种思考火花，无论成熟还是稍显稚嫩都是艺术带给大众的真正启迪。或许，这样的做法能将所谓艺术权威和对观众的引导减小到最低，看过展览的每一个人都在心中有各自的评判，抛掉固有包袱，发自内心的去说“爱”与“不爱”。
